Dott.ssa Cucciniello: Professoressa Valente, entrando nel vivo volevamo una spiegazione sul termine esposizione di Belle Arti usato per la mostra Desiderio d’Arte. Può aiutarci a comprendere questo concetto e anche se ci sono dei riferimenti, dei legami con esperienze analoghe nel passato?

Prof.ssa Valente: Il concetto di esposizione di Belle Arti è un concetto che risale a qualche secolo fa. Per non andare troppo indietro nel tempo, lo vorrei collegare prevalentemente all’Ottocento, a partire dal tempo in cui nelle Accademie di Belle Arti, e quindi nel periodo formativo degli artisti, a completamento dei corsi si aprivano le porte delle esposizioni annuali nelle quali sia i giovani allievi che i maestri esponevano insieme. Quindi si trattava di un banco di prova per i giovani, e di una vera e propria palestra negli anni a venire. In queste esposizioni era possibile anche constatare la bontà dei prodotti, opere che poi innescavano un gusto collezionistico che si propagava velocemente fuori dai confini delle singole esposizioni. Si creò così una dinamica molto interessante e impegnativa che vide protagonisti i collezionisti e gli artisti, che si sviluppò in tutto il secolo. Si creò un circuito a doppio senso: il gusto dei collezionisti influenzava gli artisti e questi ultimi determinavano l’orientamento del collezionismo. Da qui nacque un sistema che ebbe come attori le esposizioni, i critici e il mercato. Le mostre, divise tra locali – quelle organizzate dalla Società Promotrice di Belle Arti – nazionali e internazionali, furono il vero veicolo dei modelli, garantendo agli artisti scambi e influenze. Una situazione tutta italiana, ma che ebbe modalità parallele anche all’estero. A titolo d’esempio possiamo ricordare un’importantissima esposizione, la III Mostra Nazionale che si svolse a Napoli nel 1877, con un gran numero di artisti ed espositori. Un altro esempio è quello di Parigi che con i Salon des Beaux-Arts ogni anno permetteva agli artisti giovani e meno giovani di esporre. Il modello espositivo è stato una vera palestra, un palcoscenico di contatti, di influenze, dove ci si guardava, ci si annusava, si prendevano le distanze oppure ci si copiava. Inoltre, proprio nelle esposizioni si affermavano i massimo orientamenti del mercato e le ambizioni dei collezionisti. Quindi, possiamo dire, che l’artista in qualche maniera si affermava anche attraverso le esposizioni. Di conseguenza, il concetto di esposizione, volendo ritornare alla domanda iniziale, è un concetto di grande importanza, direi basilare nell’Ottocento e almeno fino alle porte del secondo conflitto mondiale, quando poi a tale sistema si sarebbero sostituite le gallerie, oltre a uno spostamento della leadership dell’arte dall’Europa agli Stati Uniti d’America. Oggi il modello espositivo è tornato, per cui possiamo ben dire che attraverso di esso si possa scandire anche l’arte attuale.

Dott.ssa Cucciniello: Quindi ci sono state in particolare, in seguito a queste mostre, delle figure di artisti o delle scuole che si sono affermate sin dall’età giovanile?

Prof.ssa Valente: Quasi tutti gli artisti si sono affermati attraverso le esposizioni e dobbiamo anche pensare che essi frequentavano da giovanissimi l’Accademia di Belle Arti o le École des Beaux-Arts, nel caso di Parigi, o gli Istituto di Belle Arti, a seconda della regione o dello Stato in cui si trovavano. E quasi tutti gli artisti si sono affermati attraverso le esposizioni. Voglio fare un esempio internazionale: Édouard Manet, per esempio, tentò più volte di entrare al Salon de Beaux-Arts, ma non ci riuscì perché il suo linguaggio trovava l’opposizione dell’École e della pittura di Stato. Il suo era un linguaggio moderno, non accettabile da quel tipo di comitato ancorato alla tradizione. Anche gli impressionisti successivamente, non trovando spazio nei Salon ufficiali, cercarono soluzioni alternative, però sempre all’interno del meccanismo delle esposizioni. La prima esposizione degli Impressionisti avvenne infatti nell’atelier di un fotografo, Félix Tournachon in arte Nadar: come si può osservare, anche loro avevano bisogno di una esposizione per affermarsi. Ritornare oggi a un concetto di esposizione collettiva ritengo che sia una mossa vincente per gli istituti, per le accademie, per le scuole superiori che si interessano di arte figurativa e vogliono lanciare i loro allievi nella vita artistica del futuro.

Dott.ssa Cucciniello: Professoressa Zuliani, in quanto esperta del settore vorremmo un suo contributo su tale esperienza. Noi siamo giunti alla seconda edizione della mostra Desiderio d’arte e abbiamo costatato una viva partecipazione da parte dei giovani. Quindi un interesse spiccato proprio nel voler portare avanti e nel voler rappresentare quella che poteva essere la loro interiorità attraverso opere d’arte. E molti sono i lavori presentati quest’anno, ben settantatre.

Prof.ssa Zuliani: Desiderio d’arte è un evento importante innanzitutto perché offre agli studenti la possibilità di interpretare in maniera autonoma il patrimonio culturale e quindi di appropriarsene. La cosa fondamentale di questo premio è stata la sua capacità di offrirsi come occasione di documentazione e di interpretazione del nostro patrimonio culturale e ambientale, materiale e immateriale, e questo al di là della qualità dei singoli elaborati, alcuni dei quali sono anche piuttosto interessanti. In particolare, mi sono sembrati più efficaci quelli per i quali i ragazzi hanno utilizzato i linguaggi che sono a loro più vicini, ad esempio la fotografia, che è sicuramente un medium col quale gli studenti hanno una familiarità veramente quotidiana e che si mostra particolarmente padatto a documentare il patrimonio culturale. Mi ha fatto molto piacere avere l’occasione di visionare tanti lavori, che preferisco definire elaborati e non opere perché in qualche modo dare il valore di opera d’arte al lavoro dei ragazzi non è, a mio avviso, fare loro un complimento ma è dare agli studenti una responsabilità eccessiva. Un peso che non è giusto assegnare loro in questa fase della loro vita in cui si stanno formando e stanno misurandosi con dei linguaggi che poi potranno scegliere di adottare se decideranno di fare gli artisti. Non è importante in questo momento essere artisti, non è importante produrre delle opere, ma è importante produrre dei pensieri visivi quali appunto sono gli elaborati che hanno proposto. Inoltre mi ha fatto molto piacere trovare tra di essi, tra queste interpretazioni, tra queste proposte creative – e proprio di creatività si parla nel bando di concorso – alcune che fanno riferimento anche alle tradizioni popolari. E’ infatti a mio avviso importante ribadire, soprattutto in una regione come la nostra così ricca da questo punto di vista, che il patrimonio demoetnoantropologico rientra a pieno titolo nell’ambito dei beni culturali. Le tradizioni popolari sono a tutti gli effetti parte del patrimonio culturale, che dobbiamo intendere in un’accezione più larga, considerandolo anche come privilegiato spazio di socialità, come territorio di incontri e confronti. E da questo punto di vista credo che sia molto significativo il fatto che molte classi hanno scelto di partecipare con un elaborato unico, e questo non solo per le produzioni un po’ più complesse come quelle dei cortometraggi, che per loro natura richiedono la partecipazione di tante competenze. Anche nell’utilizzo della fotografia si può infatti ritrovare il senso di un lavoro collettivo. Questo mi pare molto rilevante perché pensare al patrimonio culturale significa pensare a un patrimonio comune, a un bene comune e quindi anche la sua interpretazione dovrebbe essere un lavoro il più possibile condiviso. Da questo punto di vista, questo premio mi sembra che vada nella direzione giusta, anche grazie all’allargamento delle sezioni rispetto all’anno scorso. Complessivamente, ritengo che possiamo essere soddisfatti dei risultati e personalmente mi piacerebbe che questo premio diventasse l’occasione anche per guardare con occhi diversi il patrimonio culturale, attraverso delle lenti più aggiornate, magari integrando e allargando uno sguardo che è ancora fortemente e forse troppo influenzato dal passato. Ci sono alcuni ragazzi che hanno per esempio lavorato su iconografie che guardano alla pittura dell’Ottocento napoletano, in questo mostrando, certo, una cultura visiva solida che però non sempre sa cogliere la complessità del presente. Credo infatti che accanto alla tradizione sia sempre più necessario aggiornare la visione così da rendere leggibili tutte le sfumature differenti che appartengono al patrimonio culturale.

Dott.ssa Cucciniello: Infatti uno degli obiettivi di questa mostra, ma proprio più in generale del progetto, è quello di permettere ai giovani di avvicinarsi, anche in base a un loro linguaggio, al patrimonio culturale. Un altro degli obiettivi della mostra è quello di voler favorire il più possibile la valorizzazione e la fruizione del patrimonio. Lei che ne pensa.

Prof.ssa Zuliani: Sappiano che non esiste la valorizzazione senza conoscenza e questo è un dato più che scontato, un’acquisizione ormai consolidata. Però la conoscenza passa sempre, e soprattutto per i più giovani, attraverso un’esperienza diretta, attraverso un’appropriazione, un sentire come il patrimonio comune sia di ciascuno di noi, di tutti e di ognuno. E credo che questo sia la finalità del premio e i risultati raggiunti con le interpretazione fornite dai ragazzi con i loro elaborati mi sembrano assolutamente positivi e corrispondenti all’obiettivo. Anche nelle forme più ingenue, anche nelle forme che possono fare sorridere chi ha maggiore esperienza rispetto all’utilizzo dei linguaggi dell’arte, mi è sembrato di riconoscere quel passaggio di appropriazione del patrimonio culturale che, come ho già detto, è la condizione necessaria per creare una cultura della conservazione e della valorizzazione dei beni. Va inoltre sottolineata la presenza in molti elaborati di forme di biografia visiva che testimoniano dell’ esperienza drammatica dell’emergenza sanitaria recente, un’emergenza che tanto peso ha avuto anche rispetto ai beni culturali, resi dal Covid fisicamente inaccessibili ma ancora più necessari, come hanno dimostrato i musei, particolarmente vivaci nell’attività on-line finalizzata a mantenere il contatto con le comunità, specie con quelle più sofferenti. Anche il modo in cui i ragazzi hanno saputo coniugare al loro racconto visivo dei beni culturali l’emergenza sanitaria, che ha spezzato in maniera dolorosa i legami quotidiani, la socialità, dimostra come c’è tra i ragazzi una sensibilità e una voglia di considerare il patrimonio culturale come qualcosa non semplicemente da valutare per la sua capacità di produrre reddito, di aumentare i flussi turistici. Se c’è un’espressione che da sempre non mi convince è che i beni culturali sono il nostro petrolio; non sono il nostro petrolio, per fortuna, perché il petrolio è un bene che si esaurisce e che inquina e invece i beni culturali sono inesauribili e, soprattutto, rendono la nostra vita qualitativamente migliore: l’attenzione per i beni culturali migliora anche il nostro ambiente di vita. Credo che il premio abbia contribuito a diffondere questa consapevolezza nei ragazzi. Speriamo per l’anno prossimo ancora più scuole possano intervenire, sempre più coralmente.